Manifesta 16 Ruhr: Özlem Altın

Die Manifesta 16 Ruhr, die in diesem Jahr unter dem Titel This is not a church stattfindet, wird am 21. Juni eröffnet und widmet sich der vielschichtigen soziokulturellen Struktur der Region sowie ihrem tief verwurzelten Migrationserbe. Der dritte Gast in unserer Interviewreihe mit türkischen Künstler*innen, die ortsspezifische Werke für die Biennale schaffen, ist Özlem Altın

Interview: Selin Çiftci

Özlem Altın. Foto: Julian Stallabrass

Wie haben das kuratorische Konzept der Manifesta 16, This is not a church, und die vielschichtige Struktur des Ruhrgebiets die Auswahl oder Entstehung Ihrer Arbeit beeinflusst? Was können Sie über den Dialog mit den Creative Mediators und den Prozess sagen, den Ihr Werk vom ersten Entwurf bis zur Ausstellung durchlaufen hat?

Meine Arbeit für die Manifesta 16 Ruhr wurde in Bezug auf den kuratorischen Rahmen der Biennale und das Ruhrgebiet entwickelt, wo Geschichten von Arbeit, Migration und postindustrieller Transformation miteinander verwoben sind.

Ausgehend vom Vermächtnis meines Vaters als Gastarbeiter reflektiert und hinterfragt meine Installation, wie Arbeit Identität und soziale Zugehörigkeit prägt und wie Sichtbarkeit und Anerkennung zugewiesen werden. Die kuratorische Prämisse, Räume neu zu denken, wirft Fragen darüber auf, was wir kollektiv ehren und wie Erinnerung sozial konstruiert wird.

Mein Werk mit dem Titel You Are What You Hold untersucht, wie sich Arbeit durch repetitive Gesten, die zu somatischen Spuren werden, in den Körper einschreibt. Verwurzelt in den Handlungen des Reparierens und Knotens elastischer Fäden, die mein Vater während der Fabrikarbeit ausführte, reflektiert das Stück darüber, wie Arbeit als verkörperte Erinnerung verinnerlicht wird.

Im Dialog mit dem Creative Mediator Gürsoy Doğtaş habe ich diesen neuen Auftrag für den Außenbereich der Kirche entwickelt, situiert in Bezug auf Geschichten von Arbeit und Migration, die in der Repräsentation oft marginal geblieben sind. Die Arbeit entwickelte sich von einer anfänglichen biografischen Reflexion zu einer räumlichen Intervention.

Das Ruhrgebiet ist eines der historischen Zentren der Migrationswellen aus der Türkei. Welche Bedeutung haben die geografische Wahl der Manifesta und das Erbe der „Gastarbeiter“-Geschichte der Region für Ihre künstlerische Praxis oder für die Arbeit, die Sie für diese Ausstellung konzipiert haben?

Das Ruhrgebiet trägt das Erbe der Gastarbeiterprogramme. Es ist geprägt von industrieller Produktion und von Arbeitern, die einst als temporäre Arbeitskräfte eingeladen wurden und deren Präsenz grundlegend für die Entstehung der Region war. Ihre Biografien weisen auf gemeinsame prekäre Bedingungen hin, die eben durch diese Systeme von Arbeit und Migration geformt wurden. Das Spannungsfeld zwischen der Definition als „Gast“ und der Realität einer langfristigen Anwesenheit wirft Fragen der Zugehörigkeit auf. Diese ungeklärte Zugehörigkeit bleibt im Körper durch mechanische Rhythmen bestehen.

Die Installation besteht aus vergrößerten Fotografien der Hände meines Vaters beim Reparieren elastischer Fäden. Sichtbar ist eine rhythmische Wiederholung von Instandhaltung und Fürsorge. Hände setzen Bewegungen fort, selbst wenn die Objekte der Arbeit nicht mehr vorhanden sind, und was bleibt, sind leere Gesten, die dennoch von der Arbeit sprechen. Ich beobachte bei meinem Vater oft ein ruhiges, nervöses „Stimming“ in Alltagssituationen, als ob ein somatisches Echo seines Arbeitslebens im Körper fortbesteht.

Özlem Altın, You Are What You Hold, 2026. Foto: Manifesta 16 Ruhr (Rainer Schlautmann)

Wie etablieren Sie das „stille Wissen“ Ihrer visuellen Sprache – eine Sprache, die funktioniert, ohne auf den „Subtext“ einer bestimmten Geografie angewiesen zu sein? Was sagt Ihnen die erste Verbindung, die ein Betrachter, der mit dem historischen Kontext nicht vertraut ist, allein über Form und Material zu Ihrem Werk aufbaut?

In der Installation konstruieren Gesten des Knotens und Bindens eine Beziehungsstruktur, in der Reparatur zu einem Versuch wird, das zusammenzuhalten, was fragmentiert bleibt. Die dargestellten Bewegungen ähneln Gedankenschleifen, die ohne Auflösung im Geist weiterlaufen. Durch die Vergrößerung der Hände in einen monumentalen Maßstab verschiebt sich die Geste von der Dokumentation zur Präsenz.

Die Pflanzen, die entlang der Fäden und Linien wachsen, bilden ein vertikales Wurzelsystem, ein Netzwerk aus Verbindung und Übertragung. Die Pflanzen verankern die schwebenden Hände und schlagen eine organische Erdung vor, die Wahrnehmung verlangsamt und Raum beansprucht. Was entsteht, ist eine Lesart von Fürsorge und Spannung.

Das Werk reflektiert über Arbeit, die wesentlich, aber unanerkannt bleibt, und darüber, wie sie den Körper noch lange nach dem Ende der Arbeit bewohnt. Reparatur erscheint als eine fortlaufende Praxis des Haltens und Verbindens dessen, was vorhanden, aber fragmentiert ist. Die Installation konzentriert diesen Prozess und schafft ein Feld, in dem sich die Aufmerksamkeit verlangsamt und sich Beziehungen zwischen Material und Zeit entfalten können.

An der Wand ähneln die gespannten Fäden den Saiten eines Instruments, als ob die Hände eine stumme Partitur spielen. Klanglos, und doch resonant.